« C’est le portrait craché de sa mère ». Cette expression, on l’a tous déjà entendue dans les réunions familiales. « Qu’est ce qu’il lui ressemble ! oh c’est son portrait craché ! » Mais que signifie réellement cette expression ? Elle désigne une forte ressemblance entre un enfant et sa mère, ou son père. La similarité coule de source puisqu’il y a un lien de parenté direct. Certains artistes jouent de cette parenté avec leur mère, leur mère juive. 

Lorsque l’artiste peint sa mère, il dévoile un fragment de son être, un écrin de son intime. Si la ressemblance physique est très courante, voire logique, j’ai remarqué que certains peintres exacerbent les similarités. Certains traits communs se répondent entre les peintures de mères et certains autoportraits d’artistes. Mais cette similitude va‐​t‐​elle au‐​delà du physique ? Au‐​delà même d’une blague, d’un jeu ? Est‐​elle un moyen de s’identifier ou de s’enfermer dans cette relation filiale ? Est‐​elle une occasion de rendre hommage à la figure maternelle (en oubliant parfois le père), pour célébrer ce lien qui dépasse le tableau, entre portrait et autoportrait ?

La figure de la mère de l’artiste fait partie de ce que j’appelle affectueusement les « trous » de l’Histoire de l’art. Elle a très peu été étudiée, au‐​delà du prisme biographique. Pourtant, beaucoup d’artistes plutôt connus ont représenté leur mère : Vincent Van Gogh, Frida Kahlo, Edward Hopper, Mary Cassatt et bien d’autres. À l’intérieur de cette longue liste, quelques artistes juifs pointent leur nez : Marc Chagall, Boris Taslitzky, Mark Gertler, Flora Lion… 

Ce jeu portrait de la mère‐​autoportrait de l’artiste n’est pas le fait que d’artistes juifs. Par exemple, Edward Hopper, le maître américain du suspens en peinture, joue de cette ressemblance physique avec sa mère. En effet, quand on compare certains de ses autoportraits, surtout jeunes, on observe beaucoup de traits communs avec le portrait de sa mère. Ses traits semblent épouser ceux de sa chère mère, dans son autoportrait peint entre 1903 et 1906. Hopper réalise ce portrait de lui 10 ans avant de peindre celui de sa mère. Pourtant, la ressemblance physique entre les deux est flagrante. Ils possèdent le même teint et disposent d’un visage ovale similaire. Leurs regards bleu clair et leurs expressions semblent très proches. À quelques rides et un chignon près, les personnages paraissent identiques. C’est à se demander si l’artiste n’a pas utilisé son propre visage comme modèle pour peindre sa mère. Au‐​delà de la ressemblance physique, c’est son propre reflet qu’il interroge. Lorsque Hopper peint sa mère, il se visualise physiquement vieilli à travers elle. Peindre sa mère demeure une projection du chemin vers la vieillesse. La mère disparaît encore, comme un reflet de la vie de l’artiste. 

Revenons à Boris Taslitzky, que je vous avais présenté, dans le premier épisode aux côtés de sa mère, Anna Riback. Dans ses autoportraits jeunes, Boris Taslitzky épouse les traits de sa mère. La ressemblance est frappante, qu’il soit de profil, de face ou dans son atelier. Même nez, même regard au loin, avec un teint un peu plus bronzé, quoique, cela dépend des œuvres. Sont‐​ce simplement les gènes qui parlent ? Il est totalement possible que la ressemblance physique dépasse l’interprétation. Toutefois, une voix persiste en moi. Se peindre avec les mêmes traits que sa mère, et inversement, introduit les notions de reflet, d’identification, de questionnement sur soi. Dans ce cas, la ressemblance physique ne devient qu’une couverture, un prétexte. Parce que oui, l’enfant peut être le portrait physique, et même mental, de sa mère, en embrassant ses qualités et ses défauts. Mais lorsque l’artiste se peint avec le visage de sa mère, il affirme au spectateur cette similarité. Il la revendique, et montre qu’il ne peut échapper à ce lien invisible. Au‐​delà du physique, l’artiste joue avec la notion d’identification. 

Si Boris Taslitzky questionne, Mark Gertler expose. Dans son autoportrait avec un chapeau de pêcheur, la ressemblance est flagrante. Il peint cette œuvre en 1908–1909, soit deux ou trois ans avant le premier portrait de sa mère. L’artiste est debout, sa mère assise. Elle le domine – par sa posture assise, elle détient le pouvoir sur lui. Dans les deux cas, les traits communs sont manifestes. Les deux sont dotés du même profil et d’un regard perçant identique. D’ailleurs, les œuvres s’ancrent toutes deux sur un même fond uni chocolat. Comme Hopper, il réutilise le visage de son autoportrait auquel il ajoute des joues et des rides. Au cours de sa vie, Gertler peint plus de trois fois sa mère. Selon sa biographe, Sarah MacDougall, la mère, incarne « la cheville ouvrière » du fils. Cette expression révèle deux choses : l’attachement extrême du fils à sa mère, cause et conséquence d’une pauvreté marquante. En ce sens, le peintre s’identifie presque entièrement à sa mère. Il magnétise les liens du sang et les sacralise à travers la peinture. Dans plusieurs lettres, il évoque ce sentiment viscéral d’être proche de sa mère. Il écrit : « son bonheur tout entier est lié à mes progrès ». Une phrase qui n’est pas sans rappeler la définition d’Albert Cohen. Le rapport mère‐​fils est fusionnel. Si sa mère est malheureuse, il ne peut pas travailler et être heureux. Gertler embrasse tous ces sentiments et toutes ces vibrations. À ce stade, la blague est dépassée et le jumelage atteint. L’artiste ne semble pas réellement avoir coupé le cordon ! 

Un petit détour philosophique, voire psychologique, s’impose. Tous ces artistes jouent avec la notion d’identification. L’identification désigne « l’action de s’identifier, de se confondre avec quelqu’un ou quelque chose ». Le philosophe Lalande définit cette notion en 1968 comme « un processus psychologique par lequel l’individu A transporte sur un autre B, d’une manière continue plus ou moins durable, les sentiments qu’on éprouve ordinairement pour soi, au point de confondre ce qui arrive à B avec ce qui lui arrive à lui‐​même ». Cela ne signifie pas forcément que tous les peintres qui réalisent le portrait de leur mère se confondent avec elle. Toutefois, lorsqu’un artiste choisit de se représenter avec le même visage, la confusion se dessine et le jumelage prend forme. L’identification peut être partielle comme pour Hopper, qui cherche à se projeter dans un futur physique. Elle peut aussi être très forte jusqu’à exposer cette confusion à l’image de Mark Gertler. 

Là surgit une question fondamentale : où est le père ? Cette relation mère‐​fils fait disparaître deux personnages : le père et la fille. Sigmund Freud nous répondrait alors que la relation avec la mère constitue la première relation amoureuse, dont le fils ne peut se détacher. Selon le fondateur de la psychanalyse, la relation mère‐​fils est une relation fusionnelle qui conduit à un enfermement. Le fils se perd alors dans cette identification, jusqu’à se soumettre et devenir passif vis‐​à‐​vis d’elle. Bon, peut‐​être est‐​ce le cas pour certains, mais n’oublions pas la crise d’adolescence. 

Mark Gertler a peint un portrait de ses parents entre 1909 et 1910. Le père apparaît au premier plan de profil, alors que la mère se situe derrière lui. Elle domine largement la composition à la fois par sa corpulence, mais aussi par sa présence. Alors qu’elle est enracinée dans l’image, le père semble avoir été ajouté à l’œuvre. La main maternelle surplombe et éclipse presque la présence paternelle. À l’époque, l’artiste n’entretient que peu de liens avec son père, car il était parti travailler aux États‐​Unis. La mère devient alors un socle, un refuge pour pallier cette absence. Le peintre n’a jamais fait de portrait unique de son père, alors qu’il a représenté sa mère à de multiples reprises. Ici, l’intimité maternelle s’oppose à la distance paternelle. 

Le portrait de la mère de l’artiste devient pour le peintre une forme d’autoportrait. Entre les deux, ou plutôt entre la mère et le fils, se construit un lien qui les unit au‐​delà de la peinture. Un lien créé par les gênes et cimenté par la transmission, l’invisible. Le portrait de la mère juive révèle une part d’intimité de l’artiste : sa biographie, son identité et ses propres traumatismes. Deux visages, deux corps similaires dépassent le cadre du tableau, pour matérialiser cet invisible. 

Ainsi, dans le portrait de la mère, c’est le regard de l’artiste qui parle. Le regard du fils qui raconte sa mère. C’est à travers ses yeux qu’on découvre un des personnages cruciaux de son existence. Pourtant, cette relation fusionnelle laisse peu de place à la fille, au père et surtout à la mère elle‐​même. Elle est le personnage principal, sans jamais pouvoir s’exprimer.